I.  Si queremos ser verdaderos ateos, ¿no tenemos que empezar por el edificio religioso y socavarlo desde dentro?

II.  Ateísmo cristiano es una visión única del proyecto teológico de Žižek y la primera exploración en forma de libro de su pensamiento religioso. En sus propias palabras, «para convertirse en un verdadero materialista dialéctico, uno debe pasar por la experiencia cristiana». En toda su concepción de la «experiencia» es crucial no algún tipo de revelación espiritual, sino más bien la lógica del pensamiento materialista. Esta afirmación y, a su vez, deconstrucción de la teología cristiana es una propuesta conocida de Žižek, la cual tiene una profunda importancia política, filosófica y, en última instancia, personal para él.

III.  Slavoj Žižek lleva mucho tiempo comentando y criticando la teología cristiana. Su preocupación por el concepto de «acontecimiento» de Badiou, junto con su lectura del apóstol Pablo respecto del Nuevo Testamento, ha dado lugar a un giro decididamente teológico en su pensamiento. Basándose en tradiciones y temas tan amplios como el budismo, el materialismo dialéctico, la subjetividad política, la física cuántica, la IA y los chatbots, este libro es el que trata de forma más extensa la idea de Žižek de una vida religiosa.

En 1826 el francés Joseph Nicéphore Niépce inmortalizó con una cámara el paisaje rural que contemplaba desde su casa. No podía imaginar cómo esa toma —que se considera la primera fotografía de la historia—, titulada Punto de vista tomado desde la ventana de Le Gras, cambiaría no solo nuestra forma de representar la realidad sino de interpretarla. Y de interpretarnos. Mediante un enfoque riguroso, ameno y emotivo, que mezcla lecturas, recuerdos y viajes, Olivia Vicente analiza cómo se construyeron las narrativas visuales en torno al cuerpo y cómo estas han influido en la actualidad.

Quiénes somos, cómo vemos a otras personas, qué entendemos por belleza o cómo asumimos la enfermedad y la muerte son algunos de los focos de interés en este apasionante recorrido por la historia de la fotografía. Desde Louis Daguerre, pasando por Richard Avedon o Joel-Peter Witkin, Anatomía de la imagen reivindica la figura de Julia Margaret Cameron, Claude Cahun, Susan Sontag, Annie Leibovitz, Zanele Muholi, Olatz Vázquez, nombres menos visibles o recordados en el arte, la teoría y la técnica fotográficos, pero de relevancia incuestionable.

Esta obra reúne 41 conversaciones que Henri Cartier-Bresson mantuvo a lo largo de su carrera entre 1951 y 2003. Algunas de ellas inéditas, las entrevistas con este excepcional artista y pensador ponen de manifiesto su espíritu refinado y provocador —más inclinado a evocar la pintura o la literatura que la fotografía pura y dura—y nos ofrecen las claves para comprender su enfoque estético y la evolución de su pensamiento sobre la fotografía y su relación con el cine, el dibujo y la pintura. Ilustrado con una selección de sus fotografías y dibujos, estos textos nos abren una nueva e iluminadora perspectiva a la hora de acercarnos a la vida y la obra de uno de los grandes referentes de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX. Henri Cartier-Bresson (1908-2004) es un fotógrafo francés considerado uno de los padres del fotoperiodismo. Desde la agencia Magnum, que fundó en 1947 junto a Robert Capa, David (Chim) Seymour, William Vandivert y George Rodger, realizó algunos de los grandes reportajes sobre Europa, Oriente y la antigua URSS que le dieron fama mundial como cronista gráfico.

28 diálogos que reflejan un panorama museístico cambiante, diverso y dinámico, donde se desarrolla una experimentación a nivel mundial, con instituciones de Latinoamérica, Asia, África y Oceanía a menudo a la vanguardia en el desarrollo de nuevos modelos. Un sector que atraviesa un momento de reflexión sobre la desigualdad y la justicia social, presionado para lograr una mayor diversidad en la dotación de personal, la programación, la interpretación y las colecciones. Mientras tanto, la pandemia ha puesto de manifiesto la debilidad subyacente de los modelos de negocio de muchos museos, basados en exposiciones temporales, así como las limitaciones del apoyo público y privado. Los diálogos revelan las diversas maneras en que se busca nuevas fuentes de ingresos, nuevas maneras de conectar con el público y nuevas formas de gestionar las instituciones.

En junio de 2017, tres incendios sacudieron el mundo de manera casi simultánea. En Pedrógão Grande, Portugal, 66 personas fallecían bajo las llamas en un campo asfixiado por el calentamiento global y los eucaliptales. En la Galería Nicolini de Lima, Perú, dos trabajadores morían encerrados en condiciones de semiesclavitud, en contenedores apilados en el tejado del centro comercial. En la Torre Grenfell, en Londres, un incendio mataba a 72 personas de madrugada, mientras algunas cenaban y otras dormían. Sin embargo, este no es un libro sobre incendios, al menos no en un sentido literal. Es un libro sobre la condición inflamable del capitalismo, un sistema cuya lógica –como la del fuego– se extiende de forma implacable, consumiendo todo a su paso y dejando tras de sí cenizas, ruina y desposesión. Cada uno de estos incendios aquí narrados sirve para reconstruir las condiciones históricas por las que la naturaleza ha sido mercantilizada, el trabajo explotado bajo el capitalismo global, y el neoliberalismo ha asaltado los espacios destinados a la reproducción social. Aquí, el fuego sirve tanto de metáfora como de fuerza material y tangible: expone la amoralidad estructural del orden capitalista, sus ciclos de destrucción social y ecológica, y su papel en la configuración de las condiciones planetarias actuales.

Frente a esta realidad, la obra relee el mito de Prometeo más allá de su habitual interpretación como metáfora de dominación y progreso. Como símbolo original de emancipación, el titán clásico permite articular una crítica del productivismo capitalista, la modernidad eurocéntrica y la tecnocracia por un lado, y reivindicar por otro las prácticas comunales, las luchas sociales y las experiencias de resistencia del Sur global. Estos aspectos constituyen los cimientos de una propuesta de alternativa radical basada en el decrecimiento ecosocialista: un proyecto de planificación democrática para una transición social y ecológica verdaderamente justa.

Hay espacios que parecen estar fuera de todo orden. Son espacios de tránsito, sin historia ni vínculos duraderos, donde las personas pasan sin dejar huella. Aeropuertos, supermercados, hoteles, autopistas: escenarios impersonales, idénticos en cualquier ciudad del mundo, en los que la identidad se diluye y la presencia se vuelve anónima, donde se entra, se consume y se espera. Son los no lugares, un símbolo de la experiencia contemporánea.

Este breve ensayo, convertido ya en un clásico, Marc Augé describe esos ambientes sin memoria, que marcan el día a día de un mundo globalizado, acelerado y fragmentado. Su lectura resulta clave para comprender cómo la sobremodernidad transforma nuestra manera de estar con el entorno y con los otros.

¿Sabías que Tórtola Valencia, una de las bailarinas más famosas del primer tercio del siglo XX, tuvo que adoptar a su novia para que pudiera heredar y ahora están enterradas como madre e hija en un cementerio de Barcelona? ¿Y que Luis Cernuda, uno de los grandes de la generación del 27, escribió Poemas para un cuerpo inspirado en un culturista mexicano del que se enamoró? ¿A que tampoco sabías que Francis Bacon, uno de los pintores británicos más importantes del siglo XX, murió en Madrid porque vino a España a encontrarse con un novio o que Carmen Conde, primera mujer en ingresar en la Real Academia de la Lengua Española, compartió gran parte de su vida con otra mujer?

Esta es tan solo una pequeña muestra de los nombres que podrás encontrar en las páginas de este ensayo pulgativo que, con un estilo ágil y directo, pretende darle su lugar a unos artistas que tuvieron que esconderse debido a su disidencia sexual o bien arriesgarse a sufrir las consecuencias de vivirla en libertad. Y es que biografías como la de Gil de Biedma, Miguel de Molina o Mari Trini, entre otras, nos servirán para reconstruir parte de la memoria cultural disidente del siglo XX, además de para demostrar que los rebeldes del deseo, esos que tuvieron que enfrentarse a las normas sociales establecidas, siempre han estado ahí.

Atravesar la resistencia reúne los escritos esenciales del artista Gordon Matta-Clark, desde su correspondencia de juventud —un material inédito en cualquier idioma hasta esta publicación—, donde vislumbramos sus motivaciones y conocemos los detalles de su formación temprana, hasta sus manifiestos, anotaciones y correspondencia posterior, además de seis entrevistas de la década de los setenta.

Los textos de Matta-Clark —arquitecto de formación— son fundamentales para comprender su inclasificable práctica artística y dan cuenta de un entramado de ideas e intereses que pone en relación la entropía con lo construido, la cultura con la inmersión en lo social, las prácticas colaborativas con el anonimato.

En una edición al cuidado de la historiadora del arte y comisaria Gloria Moure, esta obra imprescindible «posibilita el encuentro efectivo del pensamiento y de la materia. Además, demuestra que la política y la crítica son inseparables del arte incluso en una modernidad redefinida. Redefinición que implica valorar la arquitectura, la ciudad y el urbanismo como experiencias estéticas compartidas y flexibles, pero en ningún caso dirigidas».

Artista de extraordinaria relevancia y de una enorme complejidad expresiva y formal, Gordon Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978), hijo del pintor surrealista chileno Roberto Matta y de la estadounidense Anna Louise Clark, cursó Arquitectura en la Universidad de Cornell, en Ithaca, Nueva York. Tras un accidente automovilístico en la primavera de 1963, abandonó la escuela y pasó el siguiente año académico en París, viviendo con su padre y estudiando francés. Regresó a Cornell en el otoño de 1964 y, al graduarse en la primavera de 1968, se encontraba entre los estudiantes más destacados. Los siguientes años trabajó para el Departamento de Arquitectura de la cercana ciudad de Binghamton y como asistente en el programa de Bellas Artes de Cornell. Sus primeros proyectos artísticos documentados datan de este período. A mediados de 1969, se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó a usar el nombre Gordon Matta-Clark y el año de su bautismo (1945) en lugar de su año de nacimiento en el material biográfico.

Los trabajos de Matta-Clark se basan en una tradición que comienza por la redefinición de la escultura y del espacio desde la óptica del arte de acción y culmina con una inmersión proactiva y definitiva en el espacio. En sus proyectos proponía realizar intervenciones —a la vez escultóricas y performativas— en el espacio público, y recurría a la arquitectura y a las calles de la ciudad como escenario. Utilizaba solares, la vía pública, contenedores de basura, edificios abandonados... Entrelazaba lo plástico, lo visual, lo espacial y lo arquitectónico con la interacción política y social (en una de sus performances, distribuyó aire fresco con un aparato de su invención; en otra, organizó un banquete en un lugar abandonado bajo el puente de Brooklyn). Sus proyectos más sonados son los llamados cuttings, transformaciones de casas y edificios mediante cortes con los que ofrecer nuevos espacios, crear diferentes recorridos en el interior de los edificios, dejar al descubierto los materiales y proponer nuevas interpretaciones a quien los visitaba. Muchos de sus trabajos fueron recogidos en películas experimentales que permiten al espectador revivir hoy la visita al interior de sus obras, ya que ninguna de ellas permanece en pie. Gordon Matta-Clark murió el 27 de agosto de 1978, apenas dos meses después de cumplir treinta y cinco años y poco más de dos años tras la muerte de su hermano gemelo Sebastian.

Fragmentos de un discurso amoroso es un libro sobre el amor. Sobre la trivialidad y a la vez sobre la radicalidad del amor. En palabras de Roland Barthes este libro se vuelve necesario porque "el discurso amoroso es hoy de una extrema soledad. Es un discurso tal vez hablado por miles de personas (¿quién lo sabe?), pero al que nadie sostiene; está completamente abandonado por los lenguajes circundantes: o ignorado, o despreciado o escarnecido por ellos". Asfixiado detrás del erotismo, la sexualidad la pornografía, la publicidad, el cuidado del cuerpo y el consumo mediático. La decisión de Barthes de ocuparse del amor adquiere, en este contexto, un carácter subversivo. Publicado originalmente en 1977, es el libro más ambicioso de la última época de Barthes, ¿Pero cuál es su ambición? Darle escritura a la crítica, convertir la teoría en la gran novela del siglo XX. Un delicado relato de aprendizaje (o mejor dicho: del aprendizaje como algo imposible) sobre el deseo, el amor, la soledad, los celos y la respiración agitada. Un libro sobre las posibilidades de la crítica literaria de pensar el mundo, que para Barthes es, ante todo, discurso: "Discursus es, originalmente, la acción de correr aquí y allá; son las idas y venidas, andanzas, intrigas. En su cabeza, el enamorado no cesa en efecto de correr, de emprender nuevas andanzas y de intrigar contra sí mismo".

Erudito y a la vez claro, transparente y complejo (como el propio amor) Fragmentos de un discurso amoroso es un exquisito ejercicio de semiología salvaje. Un muestrario de los lugares comunes sobre el amor y, al mismo tiempo, una formidable demolición de esos mismos lugares comunes. Construido como un vocabulario, es un tratado, no sobre el amor, sino sobre sus palabras. Sobre la locura de la sintaxis y el enamoramiento del sentido.

En un contexto marcado por la emergencia climática, este Atlas cultural de la energía ofrece una reveladora mirada sobre los complejos vínculos entre energía, cultura y política. Los diferentes conceptos abordados exploran cómo la energía fósil, motor fundamental de las sociedades industriales, no solo ha condicionado su desarrollo material, sino también los imaginarios y discursos que han estructurado nuestra visión del progreso, la libertad y el bienestar. El libro analiza las implicaciones socioecológicas de la transición energética y desafía los planteamientos reduccionistas que dominan el debate contemporáneo. Con un enfoque crítico hacia la tecnocracia y el determinismo energético, invita a reconsiderar las interacciones entre lo natural y lo cultural, otorgando un papel decisivo y transformador a los imaginarios. Este atlas se presenta así como una herramienta para comprender los dilemas de la transición ecosocial desde las humanidades energéticas, contribuyendo a repensar la relación entre los sistemas de poder y la energía. Desde esa perspectiva, defiende la necesidad de entender la energía no solo como un recurso, sino como una dimensión estética, cultural y política que ha dado forma al mundo tal como lo conocemos.