El presente volumen reúne a algunas de las principales especialistas actuales en arte y género para articular nuevas y necesarias aproximaciones a la Historia del arte. Resultado del simposio internacional del mismo nombre celebrado a raíz de la exposición «Maestras», organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, las diferentes autoras –Griselda Pollock, Rocío de la Villa, Camille Morineau, Lucia Pesapane, Concha Lomba, Menene Gras, Karen Cordero, Carla Subrizi, Mary Kelly y Maite Méndez– abordan en sus textos la aportación de mujeres artis­tas de la modernidad en diversas coordenadas geográficas y culturales. De la Francia de entreguerras a la India, de España al norte de África, de Italia a México, se pone el foco en el cruce de culturas, la intersección entre arte, raza, sexo y colonialismo, las cuestiones de género y transnacionales que atraviesan el arte de la Edad Contemporánea. Se trata, en definitiva, de explorar la posibilidad de nuevas convergencias entre mujeres artistas de distintos mundos, culturas, tiempos y latitudes.

Maite Méndez Baigeses catedrática de Historia del arte en la Universidad de Málaga. Directora de IGIUMA-Instituto de Investi­ga­ción de Género e Igualdad de dicha univer­sidad y fundadora y directora de RIAF-Red de Investigación en Arte y Feminismos, trabaja sobre arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva de género. Entre sus libros más recientes cabe mencionar Las señoritas de Avignon y el discurso crítico de la modernidad (2021) y Arte escrita. Texto, imagen y género en el arte contemporáneo (2017).

En los últimos años ha surgido una nueva ola de activismo artístico en respuesta al dominio cada vez mayor del neoliberalismo autoritario. Sin embargo, las prácticas activistas en el campo del arte existen desde hace mucho más tiempo. Como afirma Oliver Marchart, siempre ha habido un trasfondo activista en el arte.
En este libro el autor traza trayectorias de activismo artístico en el teatro, la danza, la performance y el arte público, e investiga el potencial político del urbanismo, el comisariado y las «Bienales de Resistencia». Lo que emerge es una estética conflictual que no se ajusta a los enfoques tradicionales del campo y que activa el potencial político de la práctica artística.

Oliver Marchart es teórico político y filósofo. Actualmente es profesor de Teoría Política en la Universidad de Viena. Entre sus libros, destacan Pensamiento político posfundacional (2007) y Thinking Antagonism: Political Ontology after Laclau (2018).

Suwon Lee es una artista visual coreano-venezolana que pertenece a la reciente diáspora venezolana. Sus fotografías ofrecen un significado cultural y una visión conmovedora e íntima de la Corea del siglo XX.

“Mr. and Mrs.” ofrece un cautivador viaje a través del tiempo, la historia y las vidas entrelazadas de dos individuos a lo largo de más de cincuenta años.

Con un diseño innovador a dos caras, ambas sirven de portada y contraportada, simbolizando la dualidad y la interconexión de las vidas que narra.

Rescatando fotos heredadas de sus abuelos paternos, Suwon Lee traza dos líneas temporales, desde la juventud de los protagonistas hasta su edad adulta, en la Corea del siglo XX. Suwon Lee crea este libro de dos caras como un preciado tesoro familiar en honor a sus antepasados y al arte de la fotografía vernácula. Las imágenes van acompañadas de un texto escrito por Horacio Fernández, creando una narrativa visual en la que imagen y texto se funden y fluyen a la perfección.

Las obras de Lee se encuentran en colecciones del MoMA de Nueva York (EE.UU.), Patricia Phelps de Cisneros (EE.UU.), CIFO Miami (EE.UU.), Banco Mercantil (Venezuela), Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Alvares Penteado (Brasil) y en diversas colecciones privadas de todo el mundo. Sus fotografías se han incluido recientemente en Photography and Korea (Reaktion Books, Reino Unido, 2023) y Night Fever: Film and Photography After Dark (Koenig Books, 2024).

Lo curatorial trata sobre un campo de acción relacionado con los procesos mediante los cuales el arte y la cultura devienen públicos. A pesar de la creciente importancia que la actividad curatorial ha experimentado en las últimas décadas, sigue pendiente la elaboración de una definición que designe sus características estructurales y justifique su significativa relevancia social. Partiendo de cuatro términos —“curatorialidad”, “constelación”, “transposición” y “hospitalidad”—, Beatrice von Bismarck describe lo curatorial como un contexto en el que la práctica y la producción de sentido tienen lugar siguiendo unas condiciones, reglas y procedimientos propios. Dejando atrás algunas nociones controvertidas, como las de comisario o comisaria, comisariado y exposición, este libro se centra en las relaciones que establece lo curatorial, relaciones que, a su vez, lo constituyen.

Con este último título de la colección, conectamos con el que fuera el primero de la misma: Breve historia del comisariado, de Hans Ulrich Obrist, un texto canónico del comisariado y que ahora completamos y actualizamos con la publicación de este ensayo de la autora Beatrice von Bismarck, siendo traducida por primera vez al castellano.

Beatrice von Bismarck imparte clases de historia del arte, cultura visual y culturas de lo comisarial en la Escuela Superior de Bellas Artes y Artes del Libro (Hochschule für Grafik und Buchkunst) de Leipzig. Anteriormente fue conservadora del departamento de arte del siglo XX en el Städel Museum de Fráncfort. Por su proyecto de investigación sobre lo curatorial ha sido galardonada con la beca Opus Magnum de la Fundación Volkswagen de Hannover. Entre sus publicaciones más recientes se cuentan Archives on Show. Revoicing, Shapeshifting, Displacing – A Curatorial Glossary, 2022 (Berlín: Archive Books, 2022), del que es editora, y Broken Relations: Infrastructure, Aesthetics, and Critique (Leipzig: Spector Books, 2022), que coeditó junto a Martin Beck, Sabeth Buchmann e Ilse Lafer.

Andrea Giunta parte de un hecho consumado: la crisis del Covid supuso un gran cambio social que afectó de manera vertical y horizontal a todas las sociedades del planeta. Observar esa capacidad de cambio que ha mostrado la humanidad, la lleva a pensar acerca de los cambios en el mundo de la creación artística que han permitido abrir los museos de arte contemporáneo a aquellas obras que nunca pudieron formar parte del canon y la discusión.

¿Cuánta parte de este cambio debemos a los propios artistas? Es así como Andrea crea una discusión en torno a seis artistas que con sus obras y discursos se posicionaron, de maneras muy variadas, contra lo establecido. Cada una de sus historias en la de la ruptura de un techo de cristal, ya sea impuesto por el género, la identidad sexual o la procedencia.

Esta lectura íntima y conversacional nos transporta al mundo encantado de la serie fotográfica de Alessandra Sanguinetti Las aventuras de Guille y Belinda, explorando la evolución de esta célebre obra y los temas y preguntas que plantea. Realizada en el campo de la provincia de Buenos Aires, la serie de Sanguinetti sigue la vida de dos primos que alcanzan la mayoría de edad junto a las realidades de la vida rural. Desde muy jóvenes, Guille y Belinda han sido colaboradores, co-conspiradores y compañeros de juego de Sanguinetti, evocando los mundos únicos suspendidos entre los sueños y la realidad que definen la infancia, la adolescencia y, finalmente, la edad adulta. Aquí reflexionan con Sanguinetti sobre la creación de la obra y su relación cambiante con ella a lo largo del tiempo en una extensa conversación ilustrada con imágenes inéditas de todos estos años. Este debate se complementa con una conversación entre Sanguinetti y los comisarios Clément Chéroux y Pierre Leyrat, en la que se analizan las formas en que esta obra se relaciona con las conversaciones en torno a la fotografía documental, la colaboración artística y la representación de las vidas de niñas y mujeres de todo el mundo.

Esta lectura coincide con una exposición individual de la obra de Alessandra Sanguinetti en la Fondation Henri Cartier-Bresson de París (30 de enero - 19 mayo de 2024).

Una propuesta para repensar nuestra relación con el trabajo y el papel del trabajo intelectual en la sociedad contemporánea.

Tiempo atrás, algunos pensadores nos vendieron la idea de un futuro en el que el ocio ocuparía el centro de nuestras vidas mientras las máquinas trabajarían por nosotros y crearían riqueza. Ese futuro utópico no llegó jamás, y a lo que nos enfrentamos es a un presente en el que al hablar del mundo laboral nos vemos abocados a utilizar palabras como hiperproductividad, precariedad, competición, burocracia…

Ante este panorama, Remedios Zafra se rebela y dice a la vez sí y no. No a la violencia burocrática, a la tristeza administrativa y a la deshumanización tecnológica; al desafecto que se extiende entre los trabajadores cuando su tiempo está ocupado por tareas que nada tienen que ver con su propósito: investigar, enseñar, crear… Sí a transformar esta situación, a liberar el tiempo propio, del que nacerían mejores ideas y mayor compromiso con aquello que hacemos, con la sociedad, los cuidados y el planeta, la atención que requieren la justicia y la ciencia, o el goce de la cultura.

Este informe pone al mando el alma y el estómago frente a tecnologías que en nada contribuyen a la emancipación. Frente al hartazgo de un hacer mecánico que engendra desapego, la autora se pregunta: ¿qué está en juego si el trabajo intelectual sigue cediendo a la obediencia?, ¿quiénes perturbarán a las personas para recordarles que son personas?, ¿quiénes intentarán cambiar pesimismo por crítica, resignación por vínculos?

En 1968 Enrique Vila era un joven aspirante a director de cine. Hizo sus pinitos laborales en la revista Fotogramas, donde le encargaron la traducción de una entrevista a Marlon Brando. Sin saber apenas inglés, y con el ánimo de no perder el trabajo, se la inventó. A esta, siguieron otras. Y así empezó a forjarse una imaginación particularísima y un autor singularísimo. En esa época y con estas entrevistas inventadas apareció la que es hoy una firma de referencia obligada de nuestra literatura: Enrique Vila-Matas.

El volumen se completa con el relato «Recuerdos inventados», auténtica bisagra en la trayectoria del autor entre estas entrevistas inventadas y su ya inconfundible narrativa.

Prólogo de Mario Aznar.

Enrique Vila-Matas nació en Barcelona en 1948. Su obra constituye un desafío continuo a las clasificaciones, tan habituales en la literatura. Borrando las fronteras entre ficción, ensayo y biografía, su poética es una construcción artística en constante evolución, en la que confluyen las experiencias de vida, sus aventuras como lector y como escritor y una actitud lúdica que da lugar a una narrativa audaz, donde destacan Historia abreviada de la literatura portátil, Bartleby y compañía, El mal de Montano, París no se acaba nunca, Kassel no invita a la lógica, y Montevideo. Prix Médicis-Étranger, Premio de la FIL Guadalajara, premio Formentor, premio Rómulo Gallegos. Traducido a treinta y ocho idiomas. Pertenece a la convulsa Orden de Caballeros del Finnegans, y es destacado miembro de la Sociedad de Refractarios a la Imbecilidad General.

Una brillante radiografía de las dinámicas laborales en el sector del turismo. El turismo ha cambiado la faz de muchas ciudades. Quizá fue motor económico, pero ha generado efectos indeseados y es hoy claramente insostenible. Este libro explora la contradicción entre el lujo que los hoteles de alta gama venden a sus clientes y la realidad social, económica y laboral de quienes trabajan en ellos.

El resultado, a caballo entre el trabajo de campo antropológico, la crónica y el ensayo, muestra la cara más incómoda del turismo y reflexiona sobre el descanso en un futuro poscapitalista.