Después del verano —cuando el mundo se detiene durante un tiempo y el ritmo se ralentiza—, en septiembre todo regresa a su cauce: el colegio para los más pequeños, el trabajo para los adultos, la rutina para todos… Pero esa rutina se ve sorprendida, también en este mes de regresos, por algunos eventos puntuales. No nos referimos en este caso a la DANA que ha pasado por encima de nosotros y que ha inundado nuestras vidas, sino al inicio de temporada de las galerías de arte, que da el pistoletazo de salida hoy, jueves 14 de septiembre, en muchos lugares de España. Septiembre no es, por lo tanto, únicamente un mes de regresos, vuelta a la rutina y desazón por el trabajo, sino también un mes donde muchas cosas comienzan, renacen, vuelven a despertar después de un periodo de descanso. Septiembre es un mes de apertura.

Como en anteriores ediciones, Madrid concentra una gran parte de la programación del evento que da el pistoletazo de salida a la nueva temporada galerística

Estos días, las galerías abren sus puertas y nos invitan a visitar las nuevas exposiciones con las que arrancan la temporada, sus platos fuertes. Dejado atrás el calor insoportable del verano, ya nos podemos acercar a los espacios de arte de ciudades como Madrid, Barcelona, Sevilla, Santiago de Compostela o Valencia para conocer las últimas propuestas de arte contemporáneo, para juzgar con nuestros propios ojos la calidad de las obras, los artistas y los proyectos, y para dejarnos sorprender con nuevos descubrimientos. Esta iniciativa nace con el objetivo de aunar fuerzas para alcanzar mayor difusión del arte contemporáneo y, en particular, del representado por la escena galerística, entre el público, tradicionalmente más tímido a la hora de acercarse a las galerías que a los museos y otros centros expositivos. Ahora nos detendremos a mirar de cerca algunas de las exposiciones más destacadas de las distintas ciudades que abren su temporada galerística. Comencemos este viaje, de galería en galería, de ciudad en ciudad, por Madrid, donde se concentra un mayor número de espacios comerciales de arte.

MADRID

Como en anteriores ediciones, Madrid concentra una gran parte de la programación del evento que da el pistoletazo de salida a la nueva temporada galerística pues, en esta 14ª edición, Apertura Madrid Gallery Weekend reúne 56 galerías, la cifra más cuantiosa de todas las que participan en el evento a nivel nacional. Se trata de todas las integradas en la Asociación de Galerías de Arte Moderno y Contemporáneo de Madrid (Arte Madrid), que incluye tanto veteranas (Juana de Aizpuru, Helga de Alvear o Guillermo de Osma) como nuevos fichajes (Alzueta Gallery, Yusto Giner o VETA by Fer Francés), y que estarán abiertas de manera excepcional del 14 al 17 de septiembre.

Procesiones, fiestas populares, ejército o tauromaquia centran los trabajos de Cristóbal Hara; son escenas que podrían ser ordinarias pero que convierte en extraordinarias

De las variadas propuestas de las galerías madrileñas, la redacción de EXPRESS ha hecho una selección de proyectos particularmente relevantes. En lo que concierne a Madrid, la selección recoge dos tendencias interesantes. La primera destaca varias exposiciones de fotografía contemporánea, que se va consolidando, más allá del constante ir y venir de la pintura; sin embargo, como señalan desde la galería Blanca Berlín, “es reseñable que en nuestro país no exista todavía un centro nacional de fotografía” y que sean “pocas las galerías especializadas exclusivamente en fotografía”. “Países como Francia, Alemania o Estados Unidos sí que disfrutan de un tejido institucional tanto público como privado que soporta a la fotografía como disciplina formal dentro del mercado del arte y, con toda probabilidad, España se colocará a la altura de esos países”, añaden. La segunda advierte una inclinación de artistas mujeres (“absolutamente necesario reivindicarlas”, señala Rebeca Blanchard, de NoguerasBlanchard) que coinciden en un interés por repensar la imagen de la mujer en los medios, moldeada por la mirada masculina que ha ayudado a forjarla. En primer lugar, Blanca Berlín (C/ del Limón, 28) dedica una monográfica al Premio Nacional de Fotografía 2022, Cristóbal Hara (Madrid, 1946). Bajo el título de Color, recoge una serie de imágenes representativas de su particular práctica de la fotografía documental, notable por su uso de un vivo arco cromático, saturado y expresivo, aplicado a escenas de la España popular y rural que, siguiendo a clásicos del fotorreportaje como Cartier-Bresson, retrata con fuerte carga emocional y carácter pictórico, casi mágico, muy próximo a la ficción. Procesiones, fiestas populares, ejército o tauromaquia centran sus trabajos; son escenas que podrían ser ordinarias pero que Hara convierte en extraordinarias, abordándolas desde dentro mismo de los acontecimientos, formando parte de ellos, y con un color singular que sustituye al blanco y negro que había caracterizado sus primeros 11 años de carrera.

También la fotografía reaparece en la muestra “¿Puedes oír los corazones golpeando al unísono?”, de la artista Aimée Zito Lema, que presenta la galería The Goma

Frente a la fotografía documental, Cayón (C/ Blanca de Navarra, 7 y 9) opta por un grande de la fotografía conceptual, el holandés Jan Dibbets (Weert, 1941), relevante, entre otras cosas, por ejercer como profesor en la Kunstakademie de Düsseldorf, donde coincidió con Gerard Richter y Bernd y Hilla Becher, entre otros. Son tres las series que centran esta exposición. Las dos primeras, los “colorstudies” de los años setenta y los “New Color Studies” de los 2000, son estudios que inciden en el carácter abstracto y conceptual del color, explotado mediante la descontextualización y la enorme amplificación de detalles de los negativos, sobre todo en esta segunda serie, donde la incorporación de la informática dota a la realidad de un aire misterioso que, además, enmarca su trabajo reciente en la línea de la posfotografía. En tercer lugar, las “Color variations on A.D., Hommage a A.D.”, donde se confunde una aparente monocromía con variaciones y detalles imperceptibles en un primer vistazo.

También la fotografía reaparece en la muestra ¿Puedes oír los corazones golpeando al unísono? que presenta la galería The Goma, de la artista Aimée Zito Lema, quien trabaja a través de una narrativa disruptiva de la imagen, refotografiando y reimprimiendo imágenes de archivo procedentes de la dictadura militar argentina, así como otros registros más íntimos. Por su parte, la mítica galería Helga de Alvear, la primera en aterrizar en la zona de Lavapiés, nos presenta la obra del artista Jürgen Klauke, que da visibilidad a las nuevas identidades de género y a representaciones sexuales no normativas y/o subversivas, en la exposición Kreuz & Queer.

Cámara Oscura (C/ Alameda, 16) igualmente apuesta por la fotografía, en este caso por la de la finlandesa Elina Brotherus (Helsinki, 1972), que expone al tiempo en el Instituto Iberoamericano de Finlandia. La obra de Brotherus se centra en la exploración de la identidad del artista, en particular de “la” artista mujer, en su doble rol de sujeto creador y de objeto de la mirada externa. Precisamente sobre la imagen de la mujer en el mundo contemporáneo reflexionan otras artistas participantes en el Madrid Gallery Weekend. Juana de Aizpuru (C/Barquillo, 44) apuesta por una monográfica de Elo Vega (Huelva, 1967) titulada La forma ideal, en la que la artista realiza un ensayo visual, a medio camino entre investigación y creación, sobre la representación del canon femenino. Elementos como la crítica feminista a la mirada masculina, la representación del cuerpo de la mujer en soportes de cultura de masas y la labor del tejido como propiamente femenino son aspectos comunes en la producción de mujeres artistas de los últimos años. Según declaraciones de la propia galerista, el trabajo de Vega “forma parte de un proceso necesariamente colectivo que están protagonizando las mujeres, que es mucho más amplio, del que forman parte no solo artistas, y con una enorme diversidad de perspectivas”. En lo que respecta a Vega, su proyecto está concebido como un trabajo de arqueología futurista, donde la referencia a la cultura de masas o al lenguaje textil se entreteje con aspectos de la cultura clásica.

Por su parte, The RYDER Projects (C/ de Miguel Servet, 13) ofrece la propuesta de Ivana de Vivanco, que revisa la iconografía de un relato fundacional de la historia española, la del apóstol Santiago, subvirtiendo una crónica llena de épica y violencia a través de la introducción de un personaje femenino, La Yegua de Santiago. Finalmente, es una histórica del feminismo, Nancy Spero (Cleveland, Ohio, 1926-Manhattan, 2009), la elegida por NoguerasBlanchard (C/ de la Beneficiencia, 18B). En A Sense of Possibility podemos ver una selección de obras sobre papel de los últimos 30 años de la artista, quien construyó su imaginario a partir de imágenes de la arqueología universal (tomadas de culturas antiguas como las de Egipto, la Antigüedad clásica o la Prehistoria) mezcladas con otras procedentes de los medios de comunicación contemporáneos, para señalar el abuso de poder occidental y la dominación masculina.

Además, de forma paralela a la apertura conjunta de las 56 galerías madrileñas, se han organizado varias actividades para festejar de forma colectiva el arte contemporáneo. Entre ellas, visitas guiadas como las ARCO Gallery Walks (del 20 al 23 y del 27 al 30 de septiembre) y las organizadas por el crítico y comisario Alfonso de la Torre, que se acercará a las esculturas de Pablo Palazuelo en la sede de Bankinter y al Museo de Escultura al Aire Libre, ambos en el Paseo de la Castellana.

BARCELONA

Barcelona nos recibe este año con propuestas muy dispares y de gran calidad. La novena edición del Barcelona Gallery Weekend se celebra del 14 al 17 de septiembre (en las mismas fechas que Apertura Madrid), con un total de 27 galerías; 21 de ellas en Barcelona y 6 en las afueras. Comenzando este paseo barcelonés más allá de Barcelona, desde el extrarradio, podemos visitar la galería Palmadotze, en el municipio de Santa Margarida i els Monjos, en el Alto Penedés, donde se inaugura este 14 de septiembre la muestra Leer imágenes del artista Ignasí Aballí (Barcelona, 1958). El barcelonés Aballí, quien fue el representante de España en la 59ª Bienal de Arte de Venecia con su proyecto Corrección, propone en esta exposición una reflexión sobre la relación entre imágenes y textos, entre lo que vemos y lo que nombramos —uno de los temas transversales en su obra—. Partiendo de la selección de imágenes encontradas en diferentes periódicos, se muestran una serie de diecinueve pinturas realizadas a partir de las mismas. La metodología de trabajo ha consistido en escanear las imágenes y, posteriormente, encontrar su color medio (el color resultante de la mezcla de todos ellos), utilizando una función de Photoshop. 

El potencial de la imagen asume igualmente un papel protagonista en la exposición que inaugura la galería RocioSantaCruz

Si nos desplazamos a una de las galerías más emblemáticas de la ciudad condal, àngels barcelona, nos topamos con otra exposición de un artista barcelonés que igualmente reflexiona sobre el estatus contemporáneo de las imágenes: la muestra Jardins de Pols, del artista Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955). Dos corpus de imágenes articulan la muestra; una de las series plasma representaciones de formas naturales, paisajes exentos de memoria, sin historia: paisajes inexistentes surgidos del procesamiento generativo de unos algoritmos.

El potencial de la imagen asume igualmente un papel protagonista en la exposición que inaugura la galería RocioSantaCruz, si bien en este caso con una carga política, reivindicativa y emancipadora. Bajo el título Teoria dels cossos (Teoría de los cuerpos), se agrupan aquí los últimos trabajos de Oriol Vilapuig (Sabadell, 1964) sobre la idea de cuerpo: un conjunto de imágenes que, en sus colisiones y vibraciones, quieren cohesionarse como un cuerpo significante. También movilizan un fuerte sentido político las exposiciones de las galerías ADN Galeria y Zielinsky. Esta última presenta La herida, la venda, la cura, una exposición de Sandra Monterroso (Ciudad de Guatemala, 1974). La artista guatemalteca ha desarrollado una práctica artística en la que se esfuerza por restaurar su herencia cultural y ancestral como artista Maya. Su investigación toma conciencia tanto de la realidad política actual como de la historia de las violencias en Guatemala —racial, social y de género—, y de las estructuras de poder heredadas del colonialismo para, desde un conocimiento situado, “sanar las heridas coloniales por medio del arte y de los rituales Maya y de otras culturas”. Por su parte, ADN Galeria participa en el Barcelona Gallery Weekend con una mirada retrospectiva sobre la obra de los artistas Abdelkader Benchamma (Mazamet, 1975) y Bouchra Khalili (Casablanca, 1975). En el caso de Khalili, con Fanning the Spark of Hope in the Past, se propone continuar la mirada retrospectiva a la obra de esta artista propuesta a principios de año en su exposición individual en el MACBA. En cuanto a Abdelkader Benchama, presenta el episodio titulado Structures et éclats, que reúne una serie de dibujos que ponen de manifiesto transformaciones en la obra del artista.

Si retornamos a la periferia de la ciudad condal, en esta ocasión a L’Hospitalet de Llobregat, nos encontramos con dos galerías que proponen exposiciones dialógicas, articuladas entre dos artistas y en las que tiene un papel nuclear la interacción: Ana Mas Projects y Galería Alegría. En Ana Mas Projects se presenta Triple recorrido, la primera exposición de la artista gallega Berta Cáccamo (Vigo, 1963). La exposición se plantea como un recorrido por algunos de los hitos de su trayectoria artística y cuenta además con una intervención de la artista Patricia Dauder, centrada en la idea de “archivo de la mirada”, sensiblemente común en ambas artistas. Dauder aporta una serie de imágenes en proyección que dialogarán con un repertorio sistemático de papeles realizados por Berta Cáccamo en la década de los 2000. Por su parte, la Galería Alegría acoge la exposición De lo que uno dice / lo que está así / solo doble, en la que se exhiben en diálogo, de manera hibridada y entrecruzada, las obras de Alberto Peral (Santurtzi, 1966) y Luis Bisbe (Málaga, 1965). 

Nos detenemos ahora en tres galerías más jóvenes: Dilalica, House of Chappaz y Chiquita Room. Con propuestas sorprendentes y de gran interés artístico, estos espacios dan cabida a una performance musical, en el caso del espacio House of Chappaz y de la mano del artista Fito Conesa (Cartagena, 1980), al tiempo que a dos muestras centradas en el arte de los materiales, lo artesanal y las materialidades. Dilalica presenta un proyecto de Stella Rahola Matutes (Barcelona, 1980) titulado La Biblioteca: una instalación de más de 2000 piezas de vidrio colocadas en el suelo siguiendo un orden morfológico y de medida. La obra condensa el inventario de los materiales que la artista utiliza: piezas de descarte de vidrio borosilicato soplado procedentes de talleres de artesanos. Así, se genera en el suelo una alfombra de un material vulnerable, descartado e incompleto, que forma un tejido entre ciencia y artesanía. Por su parte, Chiquita Room acoge una exposición de Teresa Estapé (Barcelona, 1972) titulado Children and Fools, que trata de cuestionar lo que significa “hacer” en la sociedad contemporánea occidental. A partir de un material tan frágil como el talco, construye un conjunto de joyas que limitan la posibilidad de acción y enfatizan el acto de investidura y la portabilidad, obligándonos a permanecer en un estado de indefinición preliminar.

Para acabar, y como contrapunto a estas galerías con un recorrido más corto, podemos visitar una de las galerías más longevas de Barcelona, Artur Ramon Art, en la que también cobra relevancia lo artesanal de la mano de la obra de Yolanda Tabanera (Madrid, 1965). En su obra, Tabanera utiliza la expresividad de materiales tradicionalmente vinculados con la artesanía, como el vidrio y el esparto, de un modo escultórico, cargando los objetos de contenidos iconológicos universales. Surge así en la muestra Salón Salvaje la dicotomía entre lo fantástico, lo primitivo, lo profundo, lo surrealista, el sueño y lo mágico.

Además, el programa expositivo de Barcelona Gallery Weekend se complementa con ARCO Gallery Walks

En último lugar, mencionar que todas las exposiciones que se exhiben en Barcelona, gratuitas y de libre acceso, se inauguran de forma simultánea el jueves 14 de septiembre (a partir de las 12h, para público profesional, y desde las 18h de la tarde para público general). Además, las galerías estarán abiertas el viernes 15 y el sábado 16 de septiembre de 11h a 20h, y el domingo 17 de septiembre de 11h a 15h. Por otra parte, el programa expositivo de Barcelona Gallery Weekend se complementa con ARCO Gallery Walks (una serie de rutas guiadas gratuitas por las galerías participantes con el acompañamiento de profesionales del mundo del arte), los Paseos de las Comisarias (siete textos-guía realizados por siete comisarias del contexto local que proponen itinerarios para visitar las galerías) y BGW Familiar (actividades pensadas para familias con niños y niñas).

OTRAS LOCALIZACIONES: VALENCIA, GALICIA, SEVILLA Y PALMA DE MALLORCA

Pero no todo es Madrid o Barcelona. Viajando hacia el sur desde Barcelona llegamos a Valencia, donde se celebra del 22 al 23 de septiembre el Abierto València 2023. Entre las galerías participantes, encontramos espacios con un alto prestigio y reconocimiento como las galerías Luis Adelantado, Jorge López, Shiras o Set Espai d’Art, entre otras. Sin embargo, nos detenemos ahora en la galería Rosa Santos: Llanura Oval. En ella se exhiben obras de la artista Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984), quien actualmente vive y trabaja en Bilbao y cuya práctica artística incluye escultura, dibujo, poesía y performance. Sus creaciones parten de un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales de las experiencias circundantes de la artista. “¿Cómo se puede ser bestia y bruta a la vez, si la bestia alude a un animal salvaje indomable y la bruta a un animal tosco y de carácter violento?”, se pregunta Idoia Zabaleta en el texto curatorial en relación a la obra de Elena, donde lo crudo, lo orgánico, lo animal y monstruoso confluyen de forma inédita.

Siguiendo el modelo de Madrid, Barcelona, Valencia o Sevilla, las galerías gallegas se ponen de acuerdo por tercera vez para inaugurar a la vez la temporada expositiva 2023-2024, en las jornadas del 21 al 24 de septiembre. En esta ocasión, quien está detrás de la iniciativa es la Xunta junto con CONTEMPORÁNEA, la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Galicia, que reúne un total de nueve participantes, repartidas entre A Coruña, Ourense, Santiago de Compostela y Vigo: Dupla, Luisa Pita, Marisa Marimón, Metro, Moret Art, Nordés, PM8, Trinta y Vilaseco. De todas ellas, la redacción de EXPRESS ha querido destacar tres proyectos.

Lo colectivo y lo ritual siguen siendo puntos fuertes en la obra fotográfica de Antoni Miralda, como en el resto de proyectos plásticos que conocíamos desde hace décadas

En Santiago, la galería Trinta (Rúa da Virxe da Cerca, 24) ofrece una muestra de la obra fotográfica de los años 60 a 80 del catalán Antoni Miralda, que tanto interés está despertando desde que se descubrió en 2021. Este verano, el Círculo de Bellas Artes de Madrid ya ha ofrecido una muestra del mismo repertorio, dentro del programa de PHotoESPAÑA (termina este domingo, 17 de septiembre), y en 2022 la galería Moisés Pérez de Albéniz se estrenaba al darla a conocer. Ambas fueron comisariadas por Ignasi Duarte, quien repite en esta tercera muestra, concebida como un diálogo de parejas de fotografías. Muy alejada de la obra antimilitarista representada por soldados “soldados” (Soldats soldés) o del colorido arte comestible con que destacó en los años sesenta y setenta, la obra fotográfica de Miralda (Terrassa, 1942) ha sido puesta en valor a partir del momento en que Duarte descubrió, en 2021, una colección inédita de más de 7.500 fotografías en blanco y negro olvidada en los colosales archivos del artista. La que en su momento fue utilizada como mero apoyo para su obra, como herramienta de documentación e investigación en que basarse para la creación de sus proyectos plásticos, es ahora recuperada en varias exposiciones simultáneas. Manifestaciones religiosas, fiestas populares y celebraciones “paganas” que han venido a sustituir a lo sagrado en la sociedad contemporánea… Lo colectivo y lo ritual siguen siendo puntos fuertes en su obra, en común con el conjunto de proyectos que conocíamos desde hace décadas. La iconografía es casi la misma que la elegida por Cristóbal Hara en la madrileña Blanca Berlín, pero el componente mágico e insólito queda abstraído en el propio contenido de las escenas.

Luisa Pita, también en Santiago (Rúa do Cardeal Payá, 9) dedica una monográfica al sudafricano Pierre Louis Geldenhuys (1971), con 12 obras completamente inéditas que hablan de ecología y naturaleza desde una estética excelsa. Por su parte, PM8/Francisco Salas, en Vigo (Pablo Morillo, 8), trae una colectiva, con Martha Araùjo, Gabriel Borba Filho & Rosalind Nashashibi dando vida, en Remove Walls, a conflictos socio-políticos que se dan de forma repetida a lo largo del planeta y de la historia de la humanidad.

Volviendo de nuevo al sur, en Sevilla se celebra durante los días 29 y 30 de septiembre el Contemporánea Sevilla Gallery Weekend, que contará también con los ARCO Gallery Walks. De igual manera, como parte de la programación de Nit de l´Art (en la que participan galerías conocidas como Baró, Kewenig, Pelaires, Fran Reus o L21), que dará comienzo el 23 de septiembre, se llevarán a cabo las rutas por Palma de Mallorca, organizadas en colaboración con Art Palma Contemporani y con el apoyo del Ayuntamiento de Palma.

PALABRA DE GALERISTA

Para conocer de primera mano el estado actual del mercado, el coleccionismo y las galerías, hemos preguntado a los principales protagonistas: los propios galeristas. De esta forma, hemos podido comprobar que no existe un consenso generalizado en torno a cómo el periodo pandémico ha repercutido sobre el mercado del arte y las galerías. Hay muchos galeristas que aseguran que la pandemia ha supuesto un punto de inflexión y que las galerías durante este periodo vivieron un “momento dulce”. Es el caso de Ana Mas Projects, desde donde señalan que durante esta etapa “se ampliaron mercados porque muchos coleccionistas y nuevos coleccionistas perdieron el miedo a comprar de forma no presencial y online”.

También hay quienes son más críticos y escépticos, como Juana de Aizpuru, que comenta: “No sé hasta qué punto el tópico de que la pandemia ha marcado un antes y un después constituye un hecho real. Considero que no, y lo lamento, dada la magnitud de los problemas sociales, ecológicos, etc. que nos acucian”. Además, señala “la práctica desaparición de un tipo de coleccionista que ha sido sustituido en su mayor parte por unos compradores más pendientes de los nombres que suenan, obedientes a las modas y que a veces hasta vienen acompañados de sus arquitectos o decoradores”. Además, echa de menos a “ese tipo de personas que establecía un vínculo vital con las obras, el diálogo de igual a igual con ellas y, sobre todo, poder compartir algo que me parece vital: la pasión por el arte. Eran verdaderos amigos”. Helga de Alvear parece coincidir en apreciar un cambio en el tipo de coleccionista, pues ve “un ligero incremento de clientes más jóvenes, con un presupuesto medio y que apuestan por obras de artistas reconocidos”. Por su parte, desde NoguerasBlanchard no perciben ningún cambio respecto al perfil de compradores o interesados.

También los galeristas explican, en muchos casos, que los principales desafíos han tenido que ver con la visibilización del trabajo realizado desde las galerías, así como con la difusión y vinculación con los compradores. A este respecto, Rosa Santos comenta que “el cambio después de la pandemia está vinculado al desarrollo tecnológico, potenciando la comunicación y la difusión en redes sociales de nuestros eventos y nuestros artistas”. Desde la galería Trinta advierte “un grupo nuevo de compradores surgidos de Instagram, generalmente más jóvenes y muy activos que adquieren pintura fundamentalmente y que han sido captados por Urvanity [la feria de Nuevo Arte Contemporáneo], por ejemplo”.

“Hacer que el coleccionista y el público vuelvan al espacio físico de la galería es nuestro mayor reto”, señalan desde Cámara Oscura

Desde luego, resulta difícilmente mensurable la transformación genuina del tejido artístico, pero lo que sí es evidente es que hay algunas dinámicas que han venido para quedarse, como explican desde Ana Mas Projects, desde donde comentan que “el trato online y muy personalizado que desde la pandemia pusimos en marcha llegó para quedarse y nos ha permitido llegar a nuevos públicos y por supuesto coleccionistas”. También desde la galería àngels barcelona corroboran esta convicción, pues aseguran que “la pandemia ha acelerado en cuanto se refiere a la digitalización y comunicación”. El espacio virtual es también un espacio privilegiado para los propios artistas, “un espacio dinámico y más democrático para darse a conocer”, como señalan desde Trinta.

Pero nada hay como el asistir presencialmente a las galerías. Los propios galeristas lo afirman. “Hacer que el coleccionista y el público vuelvan al espacio físico de la galería es nuestro mayor reto, y lo estamos consiguiendo”, señalan desde Cámara Oscura. “De ninguna forma puede sustituir el encuentro físico con la obra de arte”, dicen desde NoguerasBlanchard. Además, el impulso tanto de ferias como de bienales de arte ha facilitado la afluencia de un perfil cada vez más internacional, aseguran en Blanca Berlín.

Habrá que esperar a ver si estas transformaciones que aprecian los galeristas se asientan verdaderamente o queda en una tendencia pasajera, en un aspecto no tan relevante para el devenir del sector. Por el momento, disfrutemos de esta apertura de temporada de galerías; por fortuna podemos asistir presencialmente a ver las exposiciones, reunirnos con conocidos que hace tiempo que no vemos y vivir presencialmente la fiesta del arte contemporáneo.